Il n’est pas toujours facile de comprendre comment s’évalue la cote d’un artiste contemporain. Le prix d’une œuvre d’art étant très varié, il est parfois difficile de connaître la cote d’un artiste. Comment déterminer donc la cote d’un artiste contemporain ? La réponse dans l’article !
Savoir déterminer la valeur d’un tableau, une sculpture ou bien d’autres œuvres d’art d’un artiste dans l’objectif de vendre signifie connaître la cote d’un artiste. Bien sûr, il est logique de bien connaître la cotation de l’artiste avant de vendre son œuvre d’art. Pour définir le prix d’une œuvre d’art, il faut la mettre en vente aux enchères. Évidemment, la cote d’un artiste contemporain peut être indéterminée selon l’économie et le trajet de l’artiste. Plusieurs critères doivent être pris en considération comme par exemple, la qualité de la fonte pour le bronze, la rareté de l’œuvre sur le marché et le type de peinture utilisé dans l’œuvre. Il faut noter aussi que vous devez distinguer la cote officielle d’un artiste en vente aux enchères et la cote d’un artiste dans un cadre confidentiel de foires ou de galeries.
Il existe différents éléments sur lesquels baser la cote d’un artiste contemporain et qui permettent d’expliquer le prix d’une œuvre d’art. L’un de ces éléments est la notoriété de l’artiste qui se mesure en fonction de sa valeur dans l’histoire de l’art. Il y a aussi la reconnaissance de son travail, c’est-à-dire, est-ce que l’œuvre est exposée au sein de diverses institutions culturelles comme les galeries, les musées ? Sans oublier la rareté de l’œuvre. C’est un facteur qui a une place importante sur la détermination de son prix. Les matériaux et les techniques employés comptent également dans le prix final d’une œuvre d’art.
Il est important de connaître la cote d’un artiste contemporain pour estimer la valeur de son œuvre d’art. Définir la valeur d’une œuvre d’art signifie transmettre une fourchette d’évaluation entre une estimation basse et une estimation haute. Il faut parfois faire appel à un professionnel du marché d’art pour déterminer la valeur moyenne de votre bien. Ces experts vous donnent une pré-expertise et une évaluation gratuite sur vos œuvres. Il existe quelques sites qui peuvent vous accompagner et vous guidez dans la vente de vos œuvres d’art dans un cadre très adapté et très favorable.
L’art est un univers de plaisir, de couleur et de mystère. Depuis des millénaires, ce dernier a fait partie de la vie culturelle de tous les êtres humains. Les tableaux racontent des histoires, des émotions. Se perpétuant de génération en génération, l’art tient encore une grande place dans la société. Amoureux des tableaux et des grands chefs d’œuvre ? Soyez informer à travers ce petit guide si vous voulez acheter votre premier tableau de peinture.
Pour commencer la collection en matière de tableau, il est important de faire une petite visite des musées d’art. Les expositions sont d’une grande aide pour se fixer sur le style de peinture que vous voulez acquérir. Pour l’achat tableau peinture, informez-vous sur les actualités artistiques et parcourez les revenus d’art. En abordant les points essentiels relatant de l’univers artistiques, il vous sera plus facile de faire vos premiers pas dans le monde des collectionneurs de tableau. En somme, c’est une excellente alternative qui vous permettra de réaliser votre goût en vue de faire l’acquisition d’un premier tableau sur une longue liste de collection.
Pour faire l’acquisition d’un premier tableau, il est important de se fixer un budget. En effet, cela vous permettra de ne pas vous perdre dans une vaste étendue d’offre et avec une grande diversité de prix. L’achat tableau peinture est un peu complexe car le prix diffère d’un style à un autre et d’un auteur à un autre. De ce fait, il sera judicieux de définir à l’avance le budget qui sera en adéquation avec vos goûts. Toutefois, il faut tenir compte de la qualité de l’œuvre, de l’authenticité du tableau et de la notoriété de l’artiste pour trancher en faveur de la meilleure offre. Cela dit, les choses de qualité présentent toujours un prix un peu plus élevé donc il faut se préparer à cette éventualité lors de l’acquisition.
Pour l’achat tableau peinture, il importe de se fier à un professionnel de l’art. Fort de ses expériences, ce dernier sera apte à vous guider tout le long de votre investigation dans le but de vous aider à faire le bon choix. Aussi, il saura démêler le vrai du faux tout en vous donnant les informations nécessaires sur le monde de l’art. De ce fait, contactez un galeriste qui vous apportera une meilleure vision tout en restant à votre écoute et à votre disposition. Par ces propos, collaborez avec des experts dans le domaine pour acquérir un chef d’œuvre artistique.
L’achat d’une œuvre d’art dépend de plusieurs critères de choix. Pour trouver une œuvre d’art, vous pouvez faire vos achats via les expositions ou galeries d’art, mais vous pouvez acheter en ligne aussi. Mais comment procéder en ligne ? Voici quelques conseils qui vous permettent de faire ces achats en ligne !
Il existe plusieurs sites qui offrent une diversité d’œuvres d’art en ligne. La vente d’art en ligne a la même garantie que celle en galerie d’art. Il faut seulement que vous vérifiiez que l’œuvre d’art en vente dispose d’une assurance en qualité et authenticité. L’achat d’une œuvre d’art en ligne représente certains avantages. Par exemple, certains sites offrent une livraison avec un transporteur spécialisé, une assurance avec des frais de port et une garantie « satisfait ou remboursé ». En plus, lorsque vous achetez une œuvre d’art en ligne, il se peut que ces galeries d’art en ligne vous mettent en relation avec l’artiste.
Pour les admirateurs d’œuvres d’art, les voir de temps en temps au musée ou dans les expositions ne suffit pas. Une œuvre d’art vous permet d’embellir votre vie et votre quotidien. Elle impacte positivement votre humeur ainsi que votre état d’esprit. Pour acheter une œuvre d’art, tout dépend essentiellement de vos goûts et vos moyens. Si vous choisissez selon vos goûts, il est certain que vous n’aurez jamais envie de revendre l’œuvre plus tard. Pour connaître vos goûts en matière d’art, il vous suffit de regarder autour de vous, vos choix vestimentaires, les couleurs que vous aimez, le décor de votre maison et bien d’autres encore. Toutefois, si vous voulez avoir une œuvre d’art assortie à votre déco intérieure par exemple, vous risquez de limiter plusieurs choix parmi celles qui se trouvent sur le marché. Il est donc plus facile d’assortir votre déco selon vos œuvres d’art.
Que vous achetiez une voiture, un vêtement ou bien une œuvre d’art, il est toujours essentiel de déterminer votre possibilité budgétaire. Cela vous permettra de savoir si vous pouvez vous contenter d’un tableau avec une peinture à l’huile plus de quatre mètres carrés ou seulement d’un simple petit portrait encadré. Mais le format de l’œuvre d’art ne doit pas rivaliser avec le style de votre intérieur. Il faut que vous vous fiiez toujours à vos goûts. Il existe des petits dessins de quelques centimètres qui ont plus de valeur que de grands tableaux avec un prix énorme.
Robert Combas est né dans une commune française placée au sud-est de la France appelée « Lyon » en 1957 à Lyon. Il a passé l’essentiel de sa jeunesse et de son enfance dans la commune française placée au département de l’Hérault dénommé « Sète », avant de s’installer en région Île-de-France dans le but d’y travailler. Cet acteur français est célèbre entre 1980 jusqu’à 1989, de manière à avoir apporté avec lui l’art figuratif actuel. Il est le fondateur d’un mouvement appelé «Figuration Libre» réunissant à l’époque du peintre français «François Boisrond », d’Artiste peintre contemporain appelée «Hervé Di Rosa », d’un grand collectionneur d’enregistrements musicaux et musicien connu sous le nom «Robert Combas » et d’un peintre français (Rémi Blanchard).
Les tableaux de Robert Combas l’artiste sont composés pour la majorité de tableaux réalisés avec une large liberté. Il évoque la grandeur des gens, leur bonheur, leur souffrance, la sexualité, la violence ainsi que l’entreprise. En tant qu’un grand fan de rock, les toiles de peintre traduisent cet univers non seulement joyeux, mais triste également. Il imite autant l’ensemble des éléments constituant la culture réputée à l’instar de livres d’études, livres destinés aux enfants ou autres. En étudiant attentivement les œuvres d’art portrait, on trouve principalement de art non objectif, le figuratif occupe pourtant une place importante et prend un côté, disons amusant.
Le mouvement lancé par cet artiste dans l’année 1980 jusqu’à 1989 visait à profaner l’œuvre artistique, autrement dit, à le devenir plus accessible à la plupart des gens. Cette petite révolution est semblable au mouvement culturel contestataire dans l’univers de la musique. Le message que l’artiste contemporain, portraitiste, illustrateur et sculpteur appelée «Robert Combas » souhaitait véhiculer était compréhensible, n’importe qui est susceptible d’être un peintre. Il aimait promouvoir le street art, parfois négligé pour l’établissement où les peintures magnifiques présenter dans les galeries sociales. Combas Robert d’après un site spécialisé dans le domaine artistique ne se limite pas uniquement à l’œuvre d’un peintre en vue d’exprimer sa volonté de populariser l’œuvre artistique. Il la montre également dans le film qu’il a orchestré, la musique, les activités artistiques.
Les productions artistiques de cet artiste marquent une époque et sont considérées comme des références artistiques. Ils sont également entrés dans la Série LACAN en année 2010. Depuis cette date, l’artiste en mouvement artistique entreprend toute une collection d’œuvres surprenants. L’ensemble de ses toiles sont fidèles non seulement à son doctrine, mais à son sens de l’incitation également. Tout est admissible, le mot-clé est la liberté et ce truc se reflète dans l’intégralité de ses toiles. Robert Combas, artiste contemporain est toujours fidèle à son érudition célèbre et développe des portraits et domaines artistiques enrichissants. Les passionnés d’art sont susceptibles de les considérer avec enthousiasme lors d’une visite de la galerie Estampe. Ce lieu est renommé pour afficher les plus grands peintres de l’œuvre produite à partir de 1945 jusqu’à l’époque actuelle.
En 1848, Hegel établit le classement des arts de son époque. Le rangement qu’il a fait vers XIXe siècle reste inchangé. Initialement la peinture se trouve en troisième position, c’est-à-dire le 3e art. C’est un art romantique, car il y a projection sur deux dimensions du sentiment humain et c’est également parmi les arts supérieurs. Les peintures les plus connues figurent parmi celles des nuances de noirs de Pierre Soulages. Nous allons voir en premier lieu la biographie de Pierre Soulages, en deuxième lieu son outrenoir et en troisième lieu l’évolution de son art.
Pierre Jean Louis Germain Soulages, connu sous le nom de Pierre Soulages est un peintre abstrait et graveur français (abstrait qui ne s’attache pas à représenter la réalité sensible). Né le 24 décembre 1919 à Rodez, France. Fils d’Amans Soulages et d’Aglaé Zoé Julie Corp. Il a été admis au concours d’entrée à l’école des beaux-arts et y rencontra Colette Laurens (sa femme). En 1946, il commença des œuvres en papier, puis continua avec la méthode du goudron de verre en 1948. De 1949-1952, il accomplit plusieurs décors de théâtre. Dans l’année 1950, Pierre Soulages figure dans des expositions collectives à New York. Sa première exposition personnelle de 1954 se trouve aux Etats-Unis. En 1957, il se remet à la gravure et ses premières expositions rétrospectives en 1960. Il est élu parmi les meilleurs lors des Jeux Olympiques de Munich en 1972 et parmi les membres fondateurs du Comité des Intellectuels pour l’Europe des libertés. Il ne se limite pas sur ces activités, car il exerce aussi la sculpture, la lithographie, sérigraphie… .
Pierre Soulages est vraiment connu pour son utilisation des reflets de la couleur noir : il l’appelle « noir-lumière » ou le fameux « Outrenoir ». Durant presque ses quarante ans, il se submerge de cette couleur. Il traite plus particulièrement la lumière que révèle cette couleur, où il la considère comme étant une matière. Il peint cela avec la lumière réfléchie par les états de surface du noir. Pour lui, un noir peut être transparent ou opaque, brillant ou mat, lisse ou grenu et cela change tout.
Ses œuvres débutent en 1946 jusqu’à aujourd’hui. Pierre Soulages peint et non dépeint. Voici quelques exemples pour marquer son évolution dans la peinture. Lors de sa première exposition, il présente le « Brou de noix et huile sur papier, 74×47,5 cm » en 1947. Puis, il cherche à « ôter à la ligne le signe de mouvement » et expose une Huile sur toile « Peinture 200×266 cm » en juillet-août 1956. Il commença à peindre les arbres, pour présenter le Brou de noix « Lavis de brou de noix sur papier, 76×54 cm » en 1959. Après, sa peinture incarne la géométrie et le geste avec une Huile sur toile « Peinture 260×202 cm » en 19 juin 1963. Il montra ensuite ce qu’il appelle par les trois voies du noir, en disant que le noir n’existe jamais dans l’absolu, avec la « Peinture 222×137 cm » le 3 février 1990 et la « Peinture 300×235 cm » le 9 juillet 2000.
Tout au long de l’histoire de l’humanité, les hommes et les femmes ont brillé en démontrant leurs incroyables talents. Agilité inégalée et originalité indéniable sont leurs points communs. Parmi eux, il existe de nombreux scientifiques dont l’esprit perspicace ont permis de découvrir les secrets cachés de l’univers. Il y a aussi des gens d’art dont l’imagination créative dépasse la capacité des gens ordinaires. Figurant entre ces génies de l’art se trouve un Français de 74 ans du nom de Gérard Garouste. Qui est Gérard Garouste? Quelles sont ses œuvres les plus connues ? Qu’est-ce qui le rend célèbre ?
Gérard Garouste est une figure fascinante dans le domaine des Beaux-arts. Il constitue une sorte de carrefour à trois chemins de talents artistiques. En effet, les peintures figuratives dont il est l’auteur en font sa renommée mondiale. En outre, il est aussi un sculpteur hors pair et un graveur dont la dextérité de ses mains lui assure la production d’œuvres avec une très grande précision. Né à Paris le 10 Mars 1946, Gérard Garouste est désormais âgé de 74 ans.
Comment la peinture peut-elle devenir l’objet de fascination du public ? Il existe d’innombrables artistes peintres mais seuls de rares personnages comme Gérard Garouste parviennent au stade de grand maître. Là-dessus, les critiques sur les œuvres artistiques semblent trouver un terrain de concertation positive. La grande différence entre un grand artiste et un artiste amateur c’est l’habileté particulière par laquelle Gérard Garouste parviennent à transporter son public dans la profondeur secrète de son intelligence pittoresque. Les œuvres dignes de grand maître constitue une réalisation concrète et pittoresque pour une intelligibilité péremptoire. Cela explique le fait qu’ils sont souvent appelés à faire des travaux de grandes envergures, comme par exemple la production de peinture nationale. L’une des œuvres marquant de Gérard Garouste est le décor du plafond du théâtre de Namur. Une des chambres dans le palais présidentiel de l’Élysée a aussi été magnifiée par une œuvre de peinture signée Gérard Garouste.
S’il est vrai que le nom du français est souvent associé à de la peinture figurative, ce génie de talent se démarque aussi aux yeux du monde par ses œuvres en sculpture et en gravure. La Cathédrale d’Evry par exemple rend les yeux ébahis surtout en contemplant les sculptures que Gérard Garouste a élaboré à son intention. Il n’est pas qu’artiste, il est aussi un grand humanitaire. Grâce à ses efforts, l’association la source a vu le jour en 1991 à Guéroulde. Elle donne l’opportunité à des enfants et à des jeunes défavorisés de pouvoir s’épanouir à travers la participation à des ateliers artistiques.
Martial Raysse est né le 12 février 1936 à Golfe-Juan (Alpes-Maritimes) au sein d’une famille d’artisans céramistes. Comme beaucoup de peintres et d’artistes de l’époque de la naissance du pop art, il aspire à un nouveau monde détaché des pratiques trop reçues des anciens. Il a également placé la barre haute pour pouvoir jouer sur le même terrain que les grands artistes qui l’ont précédé.
Dès son jeune âge, Martial Raysse est intéressé à l’art, aux œuvres et à la représentation artistique. Il s’est d’abord donné aux études des lettres et a commencé à écrire des poèmes à l’âge de 12 ans seulement. Ses premiers pas dans la peinture et dans l’art visuel commencent par l’assemblage d’objets divers, des pièces anodines, des éléments courants de tous les jours, à partir de quoi il s’inspire et monte ses premières œuvres. Œuvres qui ne tardent pas, non plus, à s’aligner parmi les plus fameuses de son époque, car, à 25 ans seulement, toutes ses œuvres sont achetées par des collectionneurs quelques minutes à peine avant son exposition à Milan, en 1961.
Il s’officialise dans le mouvement pop art lors de son séjour aux Etats-Unis, pendant lequel il rencontre de grands artistes du même domaine, comme Ben et Arman, ou encore Ben et Arman, ou encore Yves Klein. Il adhèrera très tôt au mouvement des Nouveaux Réalistes.
Martial Raysse était surtout connu grâce à ses inventions créées à partir d’objets qu’on n’aurait jamais imaginé pouvoir utiliser dans l’art. Il utilisait du plastique, du plexiglas, du néon, des lumières artificielles, toute sorte d’objets pour les assembler, les découper, les floquer, les monter en les agrandissant la plupart du temps : tout cela afin d’obtenir des résultats totalement extraordinaires.
Contrairement à ses collègues qui faisaient de la « récup » dans la pratique de l’art moderne, Martial Raysse, lui, parvenait à faire le tour de plusieurs magasins pour acheter les objets neufs non utilisés. Il effectuait d’abord la collecte des éléments et ce n’était qu’après que l’étape de l’assemblage pouvait commencer. Et c’est ainsi qu’est né le fameuse « Hygiène de la vision », un des innombrables travaux de l’artiste qui ont contribué à son succès.
Après son séjour aux Etats-Unis, ce peintre et à la fois réalisateur de film (Camembert extra-doux en 1969 ; Le Grand Départ, en 1970) retourne à Paris pour mener à bien sa révolution culturelle et surtout sociale. Avec l’aide précieuse du néon, par exemple, il utilise les différentes nuances entre couleurs artificielles douces et plutôt vive pour illustrer certains aspects qui doivent réellement être mis en valeur. C’est ainsi, et par d’autres moyens, qu’il a su représenter cette société de « consommation » dans laquelle le monde adhère de plus en plus.
Maquillage et figures ressemblant à des clowns, visages souriants exprimant l’individu impuissant, vous avez peut être déjà croisé ces tableaux quelque part. Ces œuvres d’art qui veulent transmettre les messages du réalisme cynique coûtent une fortune et marquent une époque sensible à la Chine. Zoom donc sur le réalisme cynique et son plus célèbre peintre Yue Minjun.
Le « réalisme cynique » est un terme utilisé dans l’art pour se référer au célèbre art chinois contemporain apparu dans les années 90. C’est un groupe de peintres de Pékin qui l’a pratiqué après la répression de Deng Xiaoping produite sur la place Tiananmen en 1989 ainsi que la fermeture contrainte de l’exposition d’art « China Avant-garde » se trouvant à la Galerie Nationale de Beijing. Ce nom a été utilisé en 1992 pour la première fois par Li Xianting, un critique d’art renommé de l’époque. En effet, le réalisme cynique est considéré comme une parodie du réalisme socialiste et a fortement impressionné les pays occidentaux y compris les collectionneurs d’art. Généralement, ce type de peinture offre un regard critique sur la société contemporaine de la Chine. Néanmoins, l’humour et la satire qui y sont employés tendent à adoucir ces critiques étant donné que les peintres réalistes cyniques comme Yue Minjun qui optent pour une attitude autoritaire.
Né en 1962 à Heilongjiang, Yue Minjun est un artiste peintre et sculpteur chinois contemporain. Il a été formé à l’Université Normale d’Hebei. Il a été fortement influencé par les œuvres de Geng Jianyi notamment par la toile exposée à un salon d’art de Pékin en 1989 qui révèle son propre visage riant. Très connu pour ses autoportraits le faisant apparaître figé de rire dans divers cadres, Yue Minjun est un membre influent du ’85 New Wave Movement. Son style s’est développé rapidement et remet souvent les conventions culturelles et sociales en question en décrivant des questions politiques et objets d’une façon abstraite mais radicale. Le peintre a également modifié son orientation concernant les aspects techniques de la notion de création pure. Son travail a été exposé dans plusieurs galeries de Singapour, de Pékin et de Hong-Kong. Aujourd’hui, Yue Minjun est représenté à Paris et Bruxelles par la Galérie Daniel Templon.
Yue Minjun peut être facilement reconnu par le rire sarcastique et grotesque mis en exergue dans ses tableaux constituant son leitmotiv artistique. Parmis ses oeuvres, « L’exécution» est l’un des plus célèbres. Réalisée en 1995, cette peinture à l’huile illustre l’exécution de quatre Chinois par fusillade en les représentant hilares : style typique de l’artiste. « L’exécution » a été vendu aux enchères en 2007 chez Sotheby’s pour la somme de 37.4 Millions d’Euros. Ensuite, le «Gweong-Gweong» (1993) est le plus précieux tableau de Yue Minjun, avec une valeur de 6 932 517 dollars. Il s’est vendu en mai 2008 à Hong Kong. Enfin, il y a la Série «Hat» qui affiche la tête grimaçante du peintre portant une variété de chapeaux. Masque de Catwoman, casque de policier britannique et toque de chef, cette série de peintures essaie de rendre absurde les coutumes sociales et les protocoles bureaucratiques environnant les chapeaux. Elle met même en évidence le « contrôle » de la population en utilisant le terme « uniforme ».
L’histoire de l’humanité a vu briller des hommes et des femmes dont le talent laisse sidérer. Dextérité hors pair et originalité incontestable, tels sont leurs points communs. Il y en a beaucoup d’hommes de science dont l’esprit perspicace pourfend les mystères cachés de l’univers. Mais il y a aussi des hommes de l’Art dont l’imagination créative dépasse les limites du possible du commun des mortels. Parmi ces génies de l’Art figure un allemand, vieux de 88 ans, nommé Gerhard Richter. Qui est Gerhard Richter ? Quelles sont ses œuvres principales ? Qu’est-ce qui fait sa renommée ? Telles sont les questions qui vont mener à élucider les bruits des admirateurs agglutinés autour de ce célèbre artiste.
Gerhard Richter est un artiste peintre. Les toiles peintes de ses mains sont classées, soit parmi les arts figuratifs, soit parmi les arts abstraits. L’adresse particulière qu’il a à manier le pinceau lui est tenue de naissance. Ensuite, il l’a développée et perfectionnée dans des études artistiques à l’académie des beaux-arts à Dresde. Mais Gerhard Richter ne se satisfait pas de créer des tableaux, il travaille aussi ardemment à former de nouveaux artistes dans des écoles d’art au Canada et en Allemagne. Agé de 88 ans, ce grand peintre contemporain ne cesse d’ébahir les amateurs par la profondeur et le pittoresque de ses ouvrages.
Qu’est-ce qui fait la célébrité d’un grand artiste ? Qu’est-ce qui constitue sa grandeur ? De nombreuses critiques s’accordent à dire que ce qui élève un amateur au rang de grand maître, c’est la dextérité du peintre à faire transporter son public dans le vague horizon de la profondeur de sa pensée. Cela fait en sorte que ces tableaux et œuvres d’art sont des concrétisations pittoresques d’une intelligibilité péremptoire. D’où le fait que ces œuvres coûtent une véritable fortune. L’Ema de Gerhard Richter a été vendue chez Phillips à New York à un prix de 320 000 dollars. Ensuite, le Domplatz, Mailand de 1968 a été vendu par Sotheby’s à un prix exorbitant de 37 millions de dollars. Enfin en 2012, une de ses œuvres abstraites datées de 1994 a été vendue à 34,2 millions de dollars.
La carrière d’artiste peintre de Gerhard Richter est marquée par des reconnaissances mondiales de son talent. En 1967, il obtint le prix Junger Western Art à Recklinghausen. Puis en 1981, le prestigieux prix Arnold Bode à la documenta de Cassel. Son palmarès continue avec l’Oskar Kokoshka à Vienne, en 1985. Il obtint même au Moyen-Orient le prix Wolf des Arts dans les années 1990.
Vous êtes admirateur des tableaux de peintre ? Vous avez reconnu sans doute les œuvres de Bernard Buffet, car son style est facilement identifiable. Ce peintre expressionniste a l’habitude de présenter des univers particuliers, glauques, misérabilistes comme le clown triste de bernard buffet. Ces tableaux ont rendu l’artiste très célèbre. Quelles sont les particularités de ses fameux clowns collection ? Vous découvrirez les détails dans ce mini-guide.
Bernard Buffet est né à Paris en 1928. Il a intégré l’École nationale des Beaux-Arts alors qu’il n’a que 15 ans. Il obtient le Prix de la Critique à 20 ans. Et il est reconnu actuellement comme l’un des plus grands maîtres d’œuvre expressionniste contemporains. Cet artiste polyvalent est en même temps peintre expressionniste, aquarelliste, sculpteur et signait plus de 8000 œuvres. Au début, ses préférences se sont longtemps résumées aux paysages, portraits, animaux et natures mortes. Mais, à partir de 1950, il commençait à réaliser une collection de tableaux éclairant des clowns au visage triste. Cette collection a rendu célèbre et riche l’artiste à 30 ans.
En général, le clown appartient à l’univers de la joie et du divertissement, pourtant ces personnages ne sourient quasiment jamais pour Bernard Buffet. De plus, leurs jeux représentent souvent une profonde mélancolie ainsi que des rides accentuées sur le front montrent qu’ils sont âgés. Le clown triste de bernard buffet donne ainsi le plaisir d’être prolongé dans un regard mélancolique, fuyant et profondément angoissant à ses admirateurs. En observant les nombreuses œuvres d’art de Bernard Buffet dans les personnages des clowns, on peut remarquer qu’ils sont souvent autoportraits de l’artiste. On peut remarquer aussi que certaines réalisations représentent plusieurs rôles dans une même scène.
Le premier tableau clown de bernard buffet a comme titre « Tête de clown ». C’est un tableau de 65 x 50 cm de dimension. La couleur au niveau des yeux et le costume noir et blanc évoquent la figure d’Arlequin. Concernant le maquillage triangle vert sur le menton et le rectangle orange sr la bouche représente le cubisme. Il y a d’autres œuvres d’art de Bernard Buffet qui se reprennent dans le thème des clowns. Il y a par exemple le Clown rouge et le Clown jaune réalisés en 1967. Bernard Buffet a aussi réalisé des tableaux divisant une représentation d’un duo et même 4 clowns sur scène.